Entrevista sobre un poker de ases con Arnau Bataller. Parte II

(A Interview About a Poker of Aces with Arnau Bataller. Part II. clic on Read More for a basic English translation)

Continuamos con la charla con Arnau Bataller,  recién ganador del Premio IMFCA (International Film Music Critic Association) a la mejor banda sonora de televisión por Ermessenda.

LA DAMA DE HIERRO: Ermessenda

  • Ermessenda es representada como la mujer que fue, una mujer extraordinariamente fuerte en un contexto histórico muy difícil para las mujeres. Tu música refleja eso, pero también expone sus flaquezas

Si, la miniserie se basa en hechos históricamente reales: ella fue una mujer del Medievo, un período donde ser mujer solo tenía desventajas, y por ello debían ser mucho más fuertes. Quise explicar a Ermessenda a través de una música que reflejara su fortaleza y determinación, pero también sus aspectos más íntimos y, de alguna manera, sus debilidades y dudas. Evité cualquier tipo de exageración, pero sí quise resaltar el contraste entre la grandilocuencia del entorno y del período con una música más austera y pequeña.

  • El contraste con los grandes escenarios musicales del contexto realzan más la música del personaje.

Si, es más o menos lo que comentamos sobre Barcelona. Ciutat neutral. Pero ella es una mujer fuerte y poderosa, y la música para ella también tenía que ser fuerte y poderosa, desde luego cuando actúa frente a los demás, aunque en sus momentos de soledad se resaltan los aspectos más íntimos. Es un personaje muy importante -tanto, que ya se prepara una segunda parte de la miniserie, que ha tenido mucho éxito de audiencia-, y quisimos evitar presentarla solo como un personaje histórico, sino trascender su vida a un nivel más universal. Por ello, aunque evidentemente hay referencias musicales e instrumentales a la música del medievo, la música es sustancialmente contemporánea.

  • Esa descontextualización histórica, aparte de que efectivamente convierte en atemporal a un personaje, la hace mucho más cercana a la audiencia del Siglo XXI.

Habría una frase que la definiría muy bien, un grito que sería ¡Cuánto me cuesta ser como soy!. Creo que eso es algo muy importante en la miniserie y en el personaje…

  • Este trabajo te ha dado el premio IFMCA a la mejor música para televisión…

Ha sido una sorpresa increíble. Ya me dio una alegría enorme saber de la nominación, pero sinceramente no podía pensar en opción alguna teniendo a Murray Gold, John Lunn, Ramin Djawadi, David Arnold y Michael Price, que han hecho trabajos estupendos que han tenido repercusión mundial. Me siento muy honrado, muy halagado… y espero que ellos no se enfaden conmigo! (ríe)

EVA AL DESNUDO: Lo mejor de Eva

  • Hablemos de Lo mejor de Eva. Es un thriller en el que has trabajado con electrónica y con orquesta.

Ha sido muy interesante trabajar en esta película, siempre es grato hacer cosas diferentes. La música electrónica está hecha para el ambiente, para describir un entorno frío, distante, pero también moderadamente asfixiante, que quite oxígeno al entorno. Por contraste, el tema de la protagonista va surgiendo y creciendo paulatinamente hasta llegar al punto final, donde eclosiona. Este tema principal debía reflejar la personalidad de la protagonista. Lo que más me costó fue encontrar la sonoridad y el punto más equilibrado para ayudar a la película.

  • Lo haces evolucionar desde un estado atomizado, germinal, y debe atravesar un territorio muy enfangado (el de la música electrónica) para llegar a su liberación. ¿Cómo te planteaste este discurso de la música?

Pues en el sentido inverso al narrativo. Primero pensé en construir el tema completo, pleno, y luego comencé a deconstruirlo, a desmenuzarlo y reducirlo a lo básico, hasta llegar a su concepto, el esencial, que es el punto de arranque. Yo no puedo trabajar, es muy difícil hacerlo, si no conozco la totalidad de la historia, el cómo comienza, el como se desarrolla y cómo termina. Porque esto no va de poner música a las escenas, sino de hacer que la música tenga un sentido musical pero también y especialmente narrativo. Y en caso concreto del tema principal era más que evidente que debía tener esa evolución.

  • Es muy interesante lo que has hecho con ese tema. Sufre mucho, tiene momentos de debilidad y de ahogo, pero siempre mantiene un punto de esperanza, de moderado optimismo.

Es así. En su resolución final creí que el concepto más importante, aparte de la liberación, era dar con un tono de relajación, un por fin esto se ha acabado. Estoy en paz conmigo misma. Pero para llegar a ese punto era imprescindible todo el proceso anterior. Si no, no se entendería.

  • ¿Cuáles son los proyectos más inmediatos que tienes?

Voy a hacer la música de un cortometraje de José Luis Alemán, el director de las dos entregas de La herencia Valdemar, que está preparando otro largometraje. Próximamente se estrena una película de Jordi Mollà, 88, con música mía, y voy a trabajar en un thriller de terror titulado La hermandad, protagonizado por Lydia Bosch.

Pues seguiremos la pista de Arnau Bataller

© Conrado Xalabarder y MundoBSO, 2012

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Entrevista sobre un poker de ases con Arnau Bataller. Parte I

(A Interview About a Poker of Aces with Arnau Bataller. Part I. clic on Read More for a basic English translation)

Puede parecer, a tenor de los resultados, que la carrera de Arnau Bataller (Alzira, 1977) está siendo meteórica y es fruto de la suerte, pero no es así. Si se ha convertido en uno de los principales referentes de la exitosa nueva generación de compositores españoles es porque ha sabido aunar formación y talento con mucho esfuerzo y trabajo. Obtuvo el título de Bachelor’s Degree en composición con especialización en música para cine, en la University of Southern California de Los Ángeles, con la calificación de Magna Cum Laude. Estudió con Christopher Young, David Raksin o Joe Harnell, entre otros, pero de regreso a España las puertas del cine le hicieron esperar: colaboró con Xavier Capellas en la banda sonora de Ouija (2003) , pero luego siguieron siete años donde nadie le llamó para hacer cine. Pero él -y es otra de las virtudes que cualquier compositor que quiera dedicarse al medio debe asumir como propia- creyó en sí mismo y no desistió. Hizo varios cortometrajes, documentales y televisión, una buena escuela donde aprender a manejarse en el medio. Tras La herencia Valdemar (2010) ha encadenado nuevas películas y trabajos en otros medios, y su nombre ya es conocido entre los aficionados del mundo entero. Acaba de ser proclamado ganador del Premio IMFCA (International Film Music Critic Association) a la mejor banda sonora de televisión por Ermessenda, premio al que optó el pasado año en la categoría de Mejor Compositor Revelación, y en el audiovisual tiene dos nominaciones a los Premios Jerry Goldsmith, otras dos a los Premios MundoBSO y una a los Premios Gaudí, entre otros. Hemos hablado con él de cuatro de sus más recientes trabajos: el cortometraje recién ganador del Goya El barco pirata (Fernando Trullols, 2011), de las miniseries Barcelona. Ciutat neutral y Ermessenda,  y del largometraje Lo mejor de Eva (Mariano Barroso, 2001). Os ofrecemos la entrevista que le hemos hecho sobre este póker de ases en dos partes (mañana, la segunda).

TODO SOBRE MI PADRE: El barco pirata

  • El barco pirata es un cortometraje lleno de humor, pero tiene un trasfondo muy serio, dramático: es la historia de un perdedor haciendo lo imposible por darle una alegría a su hijo. Hay humor y ternura en la música, pero no drama.

La intención que tuvimos era dar un punto de dulzura que se contrastara con lo que efectivamente pasa en la historia. El padre es un hombre que casi actúa a la desesperada y, aunque pueda ser un fracasado en su vida, no es un hombre patético. Él hace lo que puede por complacer a su hijo, y el hijo finalmente le acepta. La música refleja las acciones en que se ve involucrado el padre, pero también habla de afectos.

  • Gira en torno a un tema principal que aporta dignidad al padre. Él es un hombre pequeño, gris, pero le das una música nada pequeña ni gris, aunque no creo que la hayas hecho pensando en el espíritu navideño…

Él es efectivamente un hombre pequeño y gris, pero su voluntad y su empeño son bien fuertes, por lo que el mensaje final es claramente optimista, y por ello expone abiertamente la alegría de tener a su hijo de su lado.  La referencia navideña en la música era algo inevitable, por el contexto en el que transcurre la historia, pero no el eje de la música, que está más enfocada en resaltar la decisión del padre por hacer feliz a su hijo, muy por encima de sus desgracias personales. A fin de cuentas, este es un cortometraje que el director se planteó como un regalo para hacerle a su hija, para enseñárselo cuando tenga la edad de comprenderlo. El mensaje, que también se refleja en la música, es optimista.

  • Hay escenas donde hay una gran sincronía, casi coreográfica.

Trabajé con el montaje del cortometraje ya terminado, lo que para mi facilita mucho las cosas, porque entonces no te expones a cambios que luego te compliquen a la hora de sincronizar la música. Soy un compositor muy visual: necesito escuchar a la imagen para poder ver la música. Para mi es muy importante detectar el ritmo interno de la imagen, tanto del montaje como de actuación de los personajes, de la narración, para encontrar un tempo musical que, cuando sea necesario, permita destacar elementos con el sonido.

  • Fue una suerte poder grabar con orquesta

Para mi eso es fundamental. Para que la música pueda estar a la altura de lo que necesita la película. Afortunadamente el director también lo tuvo claro y pude hacerlo con orquesta. Grabamos con la Orquesta Universidad de Barcelona dirigida por Carles Gumí. Tengo que agradecerles toda la pasión e ilusión que pusieron al proyecto.

RETORNO AL PASADO: Barcelona. Ciudad neutral

Para mi no tiene sentido que una película o serie esté extraordinariamente ambientada (en fotografía, en decorados, en vestuario) y luego tenga que resolverse musicalmente con samplers. Es absolutamente absurdo porque sería perjudicial. Siempre que pueda, insistiré en la necesidad de grabar con orquesta. En la televisión es importante que se vea un cierto nivel de producción que haga creíble la historia, y la música es muy importante para lograrlo.

Cuando estábamos hablando sobre lo que la miniserie necesitaba, la directora Sònia Sànchez, me insistió mucho en la necesidad de tener un material temático reconocible y que expusiese la esencia de los personajes. Me costó encontrar una música que pudiera representar a los personajes y sus problemas, y a la vez no perder la referencia histórica. Dar con el color musical más adecuado es difícil.

  • Aplicas música para el contexto histórico y luego una música que engloba a todos los jóvenes protagonistas. La primera es clara y obvia; la segunda mucho más sofisticada y con más matices.

La música del contexto no solo es inevitable sino que también es necesaria, para que luego la que se aplique sobre los personajes se resalte como algo específico para ellos. En este caso, son varios los personajes, pero todos ellos tienen en común el vivir en circunstancias muy complicadas, el tener edades similares y que aspiran a un futuro mejor. Es imposible -y además sería confuso- darle a cada uno de ellos un tema musical, por lo que englobarlos bajo un mismo tema era la mejor opción. Quedan más unidos.

  • Este tema, que es el principal, no es básico sino que lleva diversos colores. En su código genético hay sencillez, hay transparencia y bondad, y también hay un moderado sentido optimista, de esperanza.

No es un tema de personaje o personajes, sino de concepto, de idea, que es la del anhelo por un futuro mejor al presente difícil en el que viven. Por supuesto, es importante que eso le llegue al espectador, para que empatice con los personajes.

© Conrado Xalabarder y MundoBSO, 2012

Mañana, en la segunda parte de la entrevista, hablaremos con Arnau Bataller de sus trabajos para Ermessenda y Lo mejor de Eva.

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Una entrevista entre luz y oscuridad con Manel Gil Inglada

(An Interview Between Light and Dark with Manel Gil-Inglada. clic on Read More for a basic English translation)

Dirigida por Ricardo Ramón y Joan Espinach, Papá, soy una zombi lleva al género de la animación una historia de zombis, brujos y otros seres de la noche que conviven en una aventura donde Dixie, una niña rebelde y arisca, aprenderá a enfrentarse a los problemas de la vida tras su visita al mundo de los muertos, dominado por el siniestro poder de la bruja Nigreda… La partitura la firma Manel Gil-Inglada, ganador del Premio Jerry Goldsmith en 2010 a la mejor música en Largometraje por el filme de animación Cher Amí, y con el que nos hemos sumergido en el mundo de los muertos vivientes para hablar de su trabajo en esta película.

  • Tras Cher Amí, una película de aventuras heroicas a Cielo abierto has hecho una película también de aventuras, pero sin héroes y mucha nocturnidad. ¿Cómo asumes este tránsito?

Esta película me ha dado la oportunidad de explorar el lado oscuro. Cher Amí era efectivamente una película muy luminosa y abierta, y esta es más oscura y cerrada. Pero sin querer perder esa referencia, tuve claro que había que aportar luz, porque aunque no haya luz en el ambiente sí lo hay, y mucha, en la niña protagonista. Ella es una niña gótica, solitaria, que está sola y es introvertida. Pero en ella hay mucha luz, que tarda en aparecer pero que finalmente sale de ella y contagia a quienes están a su alrededor. Por tanto, el reto fue que la música aportara esa luminosidad.

  • El guión musical de la película se sustancia en la lucha entre el tema principal de la niña y el contratema de la malvada Nigreda. El primero es sencillo, austero y delicado, en tanto el contratema es amplio y muy poderoso.

Ambos son en ritmo ternario 3/4, con forma musical de vals. Y los dos son valses porque quise conexionar a los dos personajes, destinados a encontrarse. Dixie no busca a Nigreda, pero Nigreda sí quiere apoderarse de Dixie y de su amuleto, el Azoth. Por tanto, creí que lo mejor es establecer un nexo en común entre ambas, y la idea de que ambas tuvieran esos temas en forma de vals facilitaría la comprensión de esa vinculación para el espectador.

  • La película arranca, en los títulos iniciales, con el tema de Nigreda, en todo su esplendor. La carta de presentación es, por tanto, la música del mal. Eso obliga a que el tema de la niña parta con clara desventaja. Es un método narrativo similar al de Bruno Coulais en Coraline (2009)

No pensé en esa película mientras me planteaba cómo estructurar musicalmente la mía, pero son fórmulas que funcionan. Al principio, en los créditos iniciales, estamos en un cementerio, lugar de muerte. De momento, en ese contexto, solo nos sitúa dónde estamos, en qué terrenos vamos a narrar la película. Luego, claro, fisicalizo esa música en la figura de Nigreda, que es la que tiene todo el poder.

  • El punto de partida del tema de la niña es singular: aparece por vez primera en una caja de música, que ella escucha en su habitación, y luego ella se apropia de esa música.

Porque es su música, su refugio. Hice el tránsito de la diégesis a lo incidental para evidenciar que algo tan personal e íntimo también podía explicar mucho sobre ella. Ella es una niña gótica, una niña rara si quieres, pero es una niña delicada e inocente, y es bondadosa. La música de la caja de música referencia inevitablemente al concepto de la infancia, y por eso era bueno vincularlo personalmente a ella. Y si el tema de Nigreda es un tema grandilocuente y poderoso, este tenía que ser lo opuesto: básico y elemental, pero para remarcar precisamente esa sencillez.

  • De hecho, es una pequeña melodía que reiteras muy frecuentemente en la película, tanto como referencia como para remarcar ese carácter del personaje. Solo lo expandes en momentos muy concretos…

No hay ningún momento en el que el tema de Nigreda suene sin que ella esté presente, y por lógica tenía que hacer lo mismo con Dixie. Claro que lo reitero frecuentemente, para que la música no la deje nunca sola, pero aplico distintas variaciones en función de lo que ocurra, seaa dramático o sea cómico. Lo que pasa es que esa pequeña melodía que mencionas nos hablan de la Dixie interior, de cómo siente o vé las cosas que suceden a su alrededor. En las escenas donde los que están con ella entran en su mundo, son de alguna manera seducidos por ella, entonces expando y abro esa música para abarcarlos, para enfatizar que Dixie también tiene un gran poder. La luz que te comentaba al principio, pero también cuando ella encuentra finalmente la paz consigo misma.

  • Y cuando abres el tema y lo expandes, se evidencia que es lo opuesto al contratema que le acosa, el de Nigreda. Luz contra oscuridad. Y, claro, es inevitable un encuentro entre ambos temas, un duelo final.

Así es. La lucha por el dominio. Tema principal contra contratema. Cuando eso se produce, uno de los dos ha de ser inevitablemente derrotado…

  • Hay otros temas centrales, menores, y mucho tema secundario. Me interesa particularmente el tema central del padre, Vitriol. Es completamente diferente, da un claro mensaje de que el padre vive en su propio mundo, que está en otra onda y que, aunque evidentemente sienta mucho afecto por su hija, está al margen.

Vamos por partes. Efectivamente hay otros temas centrales, son meras referencias a los que no quise darles mayor presencia para no quitarle espacio a las músicas verdaderamente importantes, las de la niña y la malvada Nigreda. Y también mucho tema secundario, para resolver secuencias concretas donde no había lugar para la presencia ni del tema principal ni del contratema. Me encantó la estética de la casa de la niña. Es muy modernista, gaudiana. El padre se dedica al mundo de los muertos, pero era una casa muy viva, colorida. Allí puse temas divertidos e irónicos, porque el ambiente lo pedía. También me gustó hacer la escena de la feria, donde la música empieza en diégesis y luego se abre a lo incidental, porque además la secuencia es un punto de inflexión en la película. Respecto al padre, tienes toda la razón: él quiere mucho a su hija, pero vive en su propio mundo y es por ello por lo que Dixie se siente sola. El padre tiene su propia música, un tema muy dinámico que es absolutamente diferente al resto de las músicas.

  • Es un tema muy divertido, muy despreocupado. No acabo de entender, sin embargo, la razón por la que lo empleas en los créditos finales, y además versionado en rock. Él no es protagonista, pero concediéndole los créditos finales le das el protagonismo.

Es posible que no tenga sentido argumentalmente hablando, pero pensé que por la estética de los créditos era la música más adecuada para dejar un buen sabor de boca al final. Por tanto, es más una decisión estética. El tema de Nigreda no tendría sentido alguno, claro, pero el de Dixie tampoco, porque siendo frágil y delicado no podría ajustarlo al ritmo de los créditos. Así, y gracias a la colaboración de Los Tiki Phantoms interpretando el tema y la incorporación del sonido de un theremin, creo que no perdemos el tono de humor negro.

  • No hubo presupuesto para grabar con orquesta real…

No, no lo hubo, desgraciadamente. Hubiese sido muy complicado y nada barato, desde luego, por la gran cantidad de variaciones en los temas y la mucha música que hay. Así que tuve que trabajar sin orquesta pero intentando darle la mayor entidad posible para que el espectador la percibiera como si de una orquesta sinfónica se tratara. Pero al menos pude hacer cosas que ni con un presupuesto normal podría hacer con orquesta real.

© Conrado Xalabarder y MundoBSO, 2012

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