Continuamos con la charla con Arnau Bataller,  recién ganador del Premio IMFCA (International Film Music Critic Association) a la mejor banda sonora de televisión por Ermessenda.

LA DAMA DE HIERRO: Ermessenda

• Ermessenda es representada como la mujer que fue, una mujer extraordinariamente fuerte en un contexto histórico muy difícil para las mujeres. Tu música refleja eso, pero también expone sus flaquezas

Si, la miniserie se basa en hechos históricamente reales: ella fue una mujer del Medievo, un período donde ser mujer solo tenía desventajas, y por ello debían ser mucho más fuertes. Quise explicar a Ermessenda a través de una música que reflejara su fortaleza y determinación, pero también sus aspectos más íntimos y, de alguna manera, sus debilidades y dudas. Evité cualquier tipo de exageración, pero sí quise resaltar el contraste entre la grandilocuencia del entorno y del período con una música más austera y pequeña.

• El contraste con los grandes escenarios musicales del contexto realzan más la música del personaje.

Si, es más o menos lo que comentamos sobre Barcelona. Ciutat neutral. Pero ella es una mujer fuerte y poderosa, y la música para ella también tenía que ser fuerte y poderosa, desde luego cuando actúa frente a los demás, aunque en sus momentos de soledad se resaltan los aspectos más íntimos. Es un personaje muy importante -tanto, que ya se prepara una segunda parte de la miniserie, que ha tenido mucho éxito de audiencia-, y quisimos evitar presentarla solo como un personaje histórico, sino trascender su vida a un nivel más universal. Por ello, aunque evidentemente hay referencias musicales e instrumentales a la música del medievo, la música es sustancialmente contemporánea.

• Esa descontextualización histórica, aparte de que efectivamente convierte en atemporal a un personaje, la hace mucho más cercana a la audiencia del Siglo XXI.

Habría una frase que la definiría muy bien, un grito que sería ¡Cuánto me cuesta ser como soy!. Creo que eso es algo muy importante en la miniserie y en el personaje…

• Este trabajo te ha dado el premio IFMCA a la mejor música para televisión…

Ha sido una sorpresa increíble. Ya me dio una alegría enorme saber de la nominación, pero sinceramente no podía pensar en opción alguna teniendo a Murray Gold, John Lunn, Ramin Djawadi, David Arnold y Michael Price, que han hecho trabajos estupendos que han tenido repercusión mundial. Me siento muy honrado, muy halagado… y espero que ellos no se enfaden conmigo! (ríe)

EVA AL DESNUDO: Lo mejor de Eva

• Hablemos de Lo mejor de Eva. Es un thriller en el que has trabajado con electrónica y con orquesta.

Ha sido muy interesante trabajar en esta película, siempre es grato hacer cosas diferentes. La música electrónica está hecha para el ambiente, para describir un entorno frío, distante, pero también moderadamente asfixiante, que quite oxígeno al entorno. Por contraste, el tema de la protagonista va surgiendo y creciendo paulatinamente hasta llegar al punto final, donde eclosiona. Este tema principal debía reflejar la personalidad de la protagonista. Lo que más me costó fue encontrar la sonoridad y el punto más equilibrado para ayudar a la película.

• Lo haces evolucionar desde un estado atomizado, germinal, y debe atravesar un territorio muy enfangado (el de la música electrónica) para llegar a su liberación. ¿Cómo te planteaste este discurso de la música?

Pues en el sentido inverso al narrativo. Primero pensé en construir el tema completo, pleno, y luego comencé a deconstruirlo, a desmenuzarlo y reducirlo a lo básico, hasta llegar a su concepto, el esencial, que es el punto de arranque. Yo no puedo trabajar, es muy difícil hacerlo, si no conozco la totalidad de la historia, el cómo comienza, el como se desarrolla y cómo termina. Porque esto no va de poner música a las escenas, sino de hacer que la música tenga un sentido musical pero también y especialmente narrativo. Y en caso concreto del tema principal era más que evidente que debía tener esa evolución.

• Es muy interesante lo que has hecho con ese tema. Sufre mucho, tiene momentos de debilidad y de ahogo, pero siempre mantiene un punto de esperanza, de moderado optimismo.

Es así. En su resolución final creí que el concepto más importante, aparte de la liberación, era dar con un tono de relajación, un por fin esto se ha acabado. Estoy en paz conmigo misma. Pero para llegar a ese punto era imprescindible todo el proceso anterior. Si no, no se entendería.

• ¿Cuáles son los proyectos más inmediatos que tienes?

Voy a hacer la música de un cortometraje de José Luis Alemán, el director de las dos entregas de La herencia Valdemar, que está preparando otro largometraje. Próximamente se estrena una película de Jordi Mollà, 88, con música mía, y voy a trabajar en un thriller de terror titulado La hermandad, protagonizado por Lydia Bosch.

Pues seguiremos la pista de Arnau Bataller…

© Conrado Xalabarder y MundoBSO, 2012

We continue our talk with Arnau Bataller, recently winner of the IMFCA Award (International Film Music Critics Association) for Best Television Score for Ermessenda.

THE IRON LADY: Ermessenda

• Ermessenda is represented as the woman she was, an extraordinarily strong woman in a historical context very difficult for women. Your music reflects that, but also exposes her weaknesses

Yes, the miniseries are based on true historical facts: she was a woman of the Middle Ages, a period where a woman had only disadvantages, and therefore she should be much stronger. I wanted to explain Ermessenda through a music that could reflect her strength and determination, but also her most intimate side and, somehow, her weaknesses and doubts. I avoided any kind of exaggeration, but I wanted to highlight the contrast between the grandeur of the surroundings and the period with a more small and austere music.

• The contrast with the huge musical scenaries of the sorroundings enhance more the character.
  

Yes, it is more like what we commented about Barcelona. Ciutat neutral. But she is a strong and powerful woman, and the music for her had to be strong and powerful, of course when she acts against others, although in her moments of solitude there are highlighted the most intimate aspects. It is a very important character -so much that it is already being prepared a sequel to the miniseries, which has been very successful on audiences-, and we wanted to avoid presenting her only as a historical figure, but to trascend her life to a universal level. Thus, although there are obviously musical and instrumental references to the Middle Ages, the music is substantially contemporary.

• This historical decontextualization, besides that actually makes a character timeless, makes her much closer to the audience of the XXI Century.

There could be a phrase that would define her quite well, a cry that may be How much hard is to be like I am!. I think that’s very important in the miniseries and in the character…

• This work has given you the IMFCA Award for best TV music…

ALL ABOUT EVE: Lo mejor de Eva

• Let’s talk about Lo mejor de Eva. It is a thriller in which you’ve worked with electronics and orchestra.

It was very interesting working on this film, it is always pleasant to do different things. The electronic music is for the environment, to describe a cold, distant sorrounding, but also to be moderately asphyxiating, that removes oxygen from the ambient. By contrast, the theme of the protagonist is emerging and growing steadily to reach the endpoint, where it hatches. This principal theme should reflect the personality of the protagonist. What I found most difficult was to find the sonority and the most balanced point to help the film.

• You develop it from a fragmented state, germinal, and it must cross a very muddy land (the electronic music) to arrive to its liberation. How did you approach to this discourse of the music?

• It’s very interesting what you’ve done with that theme. It suffers a lot, has moments of weakness and shortness of breath, but it always maintains a point of hope, of moderate optimism.

It is like that. In its final resolution I thought that the most important concept, besides the liberation, was to give a tone of relaxation, a finally this is over. I am in peace with myself. But to get to that point it was essential all the previous process. If not, it would be not understanded.

• What are your more immediate projects?

I’m going to write the music for a short film by José Luis Alemán, the director of the two parts of La herencia Valdemar, who is preparing another full-length film. Soon it will be premiered a film by Jordi Mollà, entitled 88, with my music, and I’m going to work in a horror thriller, La hermandad, starring Lydia Bosch.

Then we will follow the path of Arnau Bataller…

© Conrado Xalabarder y MundoBSO, 2012

(A Interview About a Poker of Aces with Arnau Bataller. Part I. clic on Read More for a basic English translation)

Puede parecer, a tenor de los resultados, que la carrera de Arnau Bataller (Alzira, 1977) está siendo meteórica y es fruto de la suerte, pero no es así. Si se ha convertido en uno de los principales referentes de la exitosa nueva generación de compositores españoles es porque ha sabido aunar formación y talento con mucho esfuerzo y trabajo. Obtuvo el título de Bachelor’s Degree en composición con especialización en música para cine, en la University of Southern California de Los Ángeles, con la calificación de Magna Cum Laude. Estudió con Christopher Young, David Raksin o Joe Harnell, entre otros, pero de regreso a España las puertas del cine le hicieron esperar: colaboró con Xavier Capellas en la banda sonora de Ouija (2003) , pero luego siguieron siete años donde nadie le llamó para hacer cine. Pero él -y es otra de las virtudes que cualquier compositor que quiera dedicarse al medio debe asumir como propia- creyó en sí mismo y no desistió. Hizo varios cortometrajes, documentales y televisión, una buena escuela donde aprender a manejarse en el medio. Tras La herencia Valdemar (2010) ha encadenado nuevas películas y trabajos en otros medios, y su nombre ya es conocido entre los aficionados del mundo entero. Acaba de ser proclamado ganador del Premio IMFCA (International Film Music Critic Association) a la mejor banda sonora de televisión por Ermessenda, premio al que optó el pasado año en la categoría de Mejor Compositor Revelación, y en el audiovisual tiene dos nominaciones a los Premios Jerry Goldsmith, otras dos a los Premios MundoBSO y una a los Premios Gaudí, entre otros. Hemos hablado con él de cuatro de sus más recientes trabajos: el cortometraje recién ganador del Goya El barco pirata (Fernando Trullols, 2011), de las miniseries Barcelona. Ciutat neutral y Ermessenda,  y del largometraje Lo mejor de Eva (Mariano Barroso, 2001). Os ofrecemos la entrevista que le hemos hecho sobre este póker de ases en dos partes (mañana, la segunda).

TODO SOBRE MI PADRE: El barco pirata

• El barco pirata es un cortometraje lleno de humor, pero tiene un trasfondo muy serio, dramático: es la historia de un perdedor haciendo lo imposible por darle una alegría a su hijo. Hay humor y ternura en la música, pero no drama.

La intención que tuvimos era dar un punto de dulzura que se contrastara con lo que efectivamente pasa en la historia. El padre es un hombre que casi actúa a la desesperada y, aunque pueda ser un fracasado en su vida, no es un hombre patético. Él hace lo que puede por complacer a su hijo, y el hijo finalmente le acepta. La música refleja las acciones en que se ve involucrado el padre, pero también habla de afectos.

• Gira en torno a un tema principal que aporta dignidad al padre. Él es un hombre pequeño, gris, pero le das una música nada pequeña ni gris, aunque no creo que la hayas hecho pensando en el espíritu navideño…

Él es efectivamente un hombre pequeño y gris, pero su voluntad y su empeño son bien fuertes, por lo que el mensaje final es claramente optimista, y por ello expone abiertamente la alegría de tener a su hijo de su lado.  La referencia navideña en la música era algo inevitable, por el contexto en el que transcurre la historia, pero no el eje de la música, que está más enfocada en resaltar la decisión del padre por hacer feliz a su hijo, muy por encima de sus desgracias personales. A fin de cuentas, este es un cortometraje que el director se planteó como un regalo para hacerle a su hija, para enseñárselo cuando tenga la edad de comprenderlo. El mensaje, que también se refleja en la música, es optimista.

• Hay escenas donde hay una gran sincronía, casi coreográfica.

Trabajé con el montaje del cortometraje ya terminado, lo que para mi facilita mucho las cosas, porque entonces no te expones a cambios que luego te compliquen a la hora de sincronizar la música. Soy un compositor muy visual: necesito escuchar a la imagen para poder ver la música. Para mi es muy importante detectar el ritmo interno de la imagen, tanto del montaje como de actuación de los personajes, de la narración, para encontrar un tempo musical que, cuando sea necesario, permita destacar elementos con el sonido.

• Fue una suerte poder grabar con orquesta

Para mi eso es fundamental. Para que la música pueda estar a la altura de lo que necesita la película. Afortunadamente el director también lo tuvo claro y pude hacerlo con orquesta. Grabamos con la Orquesta Universidad de Barcelona dirigida por Carles Gumí. Tengo que agradecerles toda la pasión e ilusión que pusieron al proyecto.

RETORNO AL PASADO: Barcelona. Ciudad neutral

• También has podido contar con orquesta en Barcelona. Ciutat neutral. Eso le da mucha verosimilitud a la miniserie.

Para mi no tiene sentido que una película o serie esté extraordinariamente ambientada (en fotografía, en decorados, en vestuario) y luego tenga que resolverse musicalmente con samplers. Es absolutamente absurdo porque sería perjudicial. Siempre que pueda, insistiré en la necesidad de grabar con orquesta. En la televisión es importante que se vea un cierto nivel de producción que haga creíble la historia, y la música es muy importante para lograrlo.

• ¿Cómo asumiste la música de Barcelona. Ciutat neutral?

Cuando estábamos hablando sobre lo que la miniserie necesitaba, la directora Sònia Sànchez, me insistió mucho en la necesidad de tener un material temático reconocible y que expusiese la esencia de los personajes. Me costó encontrar una música que pudiera representar a los personajes y sus problemas, y a la vez no perder la referencia histórica. Dar con el color musical más adecuado es difícil.

• Aplicas música para el contexto histórico y luego una música que engloba a todos los jóvenes protagonistas. La primera es clara y obvia; la segunda mucho más sofisticada y con más matices.

La música del contexto no solo es inevitable sino que también es necesaria, para que luego la que se aplique sobre los personajes se resalte como algo específico para ellos. En este caso, son varios los personajes, pero todos ellos tienen en común el vivir en circunstancias muy complicadas, el tener edades similares y que aspiran a un futuro mejor. Es imposible -y además sería confuso- darle a cada uno de ellos un tema musical, por lo que englobarlos bajo un mismo tema era la mejor opción. Quedan más unidos.

• Este tema, que es el principal, no es básico sino que lleva diversos colores. En su código genético hay sencillez, hay transparencia y bondad, y también hay un moderado sentido optimista, de esperanza.

No es un tema de personaje o personajes, sino de concepto, de idea, que es la del anhelo por un futuro mejor al presente difícil en el que viven. Por supuesto, es importante que eso le llegue al espectador, para que empatice con los personajes.

© Conrado Xalabarder y MundoBSO, 2012

Mañana, en la segunda parte de la entrevista, hablaremos con Arnau Bataller de sus trabajos para Ermessenda y Lo mejor de Eva.

It may seem, according to the results, that the career of Arnau Bataller (Alzira, 1977) is being meteoric and it is the result of luck, but it is not. If he has become one of the leading names of the successful new generation of Spanish film composers is because he has managed to combine talent with much training and hard work. He gained a Bachelor’s Degree in music composition for films, at the University of Southern California, Los Angeles, with a Magna Cum Laude. He studied with Christopher Young, David Raksin or Joe Harnell, among others, but when he was back to Spain the doors of cinema made him wait: he collaborated with Xavier Capellas on the soundtrack of Ouija (2003), but then followed seven years where no one called him to make movies. But -and this is another of the virtues that any composer who wants to work in the audiovisual media must assume- he believed in himself and did not gave up. He made several short films, documentaries and television, a good school where he learned to handle in the field. After La herencia Valdemar (2010) he has chained new movies and other media work, and his name is now known to film music fans worldwide. He’s been declared winner of the IMFCA Award (International Film Music Critics Association) for Best Television soundtrack for Ermessenda, award for which he was nominated last year in the Best Breakout Composer category, and in the audiovisual he has two nominations for the Jerry Goldsmith Awards, other two for the MundoBSO Awards and one for the Gaudí Awards, among others. We have spoken with him about four of his most recent works: the short film recently winner of the Goya Award El barco pirata (Fernando Trullols, 2011), the miniseries Barcelona. Ciutat neutral and Ermessenda, and the film Lo mejor de Eva (Mariano Barroso, 2001). We offer you the interview we’ve done about this four aces in two parts (tomorrow, the second part).

ALL ABOUT MY FATHER: El barco pirata

• El barco pirata is a humorous short film, but has a very serious, dramatic background: it is the story of a loser doing everything possible to give a cheer to his child. There is humor and tenderness in the music, but no drama.

The intention we had was to add a point of sweetness that could contrast with what is actually happening in the story. The father is a man who acts almost in desperation and, although he may be a loser in his life, he is not a pathetic man. He does what he can to please his son, and his son finally acceps him. The music reflects the actions in which the father is involved, but also speaks of affections.

• It revolves around a principal theme that brings dignity to the father. He is a small man, gray, but you give him music that is not small nor gray, although I do not think you have done it thinking on the Christmas spirit…

He is indeed a gray little man, but his will and commitment are really strong, so the bottom line is clearly optimistic, and therefore it exposes openly the joy of having his child on his side. The Christmas reference in the music was inevitable, for the context in which the story is developed, but not the core of the music, which is more focused on highlight the father’s decision to make his child happy, quite over his misfortunes. After all, this is a short film that the director thought as a gift to his daughter to show her when she has enough age to understand it. The message, which is also reflected in the music, is optimistic.

• There are scenes where there is a synchrony, almost choreographical…

• You were fortunate to record with an orchestra

That is essential to me. To allow the music achieve the level the film needs. Fortunately the director had it clear and I could do it with an orchestra. I recorded with the Orquesta Universidad de Barcelona conducted by Carles Gumí. I have to thank them all the passion and enthusiasm they added to the project.

BACK TO THE PAST: Barcelona. Ciudad neutral

• You have also the chance of working with an orchestra in Barcelona. Ciutat neutral. That gives much verisimilitude to the miniseries.

To me it does not make sense that a film or series may be extraordinarily set (in photography, on decoration, in costumes) and then it have to be resolved musically with samplers. It is absolutely absurd because it would be harmful. Whenever possible, I insist on the need to record with an orchestra. On television it is important that a certain level of production may be appreciated to make the story believable, and the music is very important to achieve that.

• How did you assume the music for Barcelona. Ciutat neutral?

When we were talking about what the miniseries needed, the director Sònia Sànchez was very insistent on the need to have a recognizable thematic material and to expound the essence of the characters. I struggled to find a music that could represent the characters and their problems, and yet not losing the historical reference. Finding the most appropriate musical color is difficult.

• You apply music to the historical context and then a music that encompasses all the young protagonists. The first is clear and obvious, the second much more sophisticated and more nuanced.

The music of the context is not only inevitable but also necessary, for that when the other is applied on the characters may be highlighted as being specific for them. In this case, there are several characters, but they all have in common living in very difficult circumstances, having similar age and aspiring for a better future. It is impossible, and it would be confusing, to give each one a theme, so lumping them under a common theme was the best option. They become closer.

• This theme, which is the principal one, it is not basic but has different colors. In its genetic code there is simplicity, there is transparency and goodness, and there is also a moderate sense of optimism and hope.

It is not a theme for a character or characters, but for a concept, an idea, which is the yearning for a better future in their difficult living. Of course, it is important that it arrives to the viewer, to let them empathize with the characters.

© Conrado Xalabarder y MundoBSO, 2012

Tomorrow, in the second part of the interview, we will talk with Arnau Bataller about his works for Ermessenda and Lo mejor de Eva.

Que una película que no ha funcionado en taquilla tenga, unos años después, una segunda oportunidad en las salas de cine es algo completamente inusual en el cine español. Pero en los próximos días se repondrá en los cines de las Islas Canarias la película Quemando suerte (Luis Lodos, 2009) y aprovechamos para charlar con el compositor de la banda sonora, Lisandro Rodríguez (Las Palmas de Gran Canaria, 1971), de esta película, del documental que hizo a continuación y de los proyectos que tiene entre manos.

Tuvo su primer contacto activo con la música a los 17 años, tras lo que comenzó sus estudios de piano conjuntamente con la informática musical. En 2001 trabaja para Antena 3 Televisión y, desde entonces, ha cubierto diferentes campos, desde realización de sintonías para publicidad, arreglos y composiciones para diversos artistas, pianista/teclista en grupos clásicos de Canarias, etc. En 2005 crea Syncronica donde realiza sus trabajos contando con la participación de diversos músicos, cubriendo así un amplio campo de estilos musicales. Ese mismo año, realiza su primera banda sonora para el cortometraje Alicia, de Fernando Poch. Y con Quemando suerte le llegó su primera oportunidad en el cine. Explica el compositor que “Fue mi primer largometraje, y mi incorporación fue un tanto azarosa. Habían acabado de hacer la película y no tenían compositor. Alguien le habló al director de mi y se puso en contacto conmigo. Fue un trabajo muy complicado, había más de una hora de música y muchos espacios sin diálogos que cubrir. El director me pidió que llenase de música la película. Fue un esfuerzo titánico, sin apenas medios y con muy poco tiempo. Para facilitar las cosas, trabajé sobre tres temas centrales y bastantes temas secundarios. De entre los temas centrales hubo uno, el principal, que además funcionaba como contratema: era la música del malo, que representaba el odio pero también el miedo del personaje a perder su poder; como contraste, un tema central dedicado a la chica, que también representaba miedo, pero otra clase de miedo, el de la sumisión, aunque con ciertos matices que expresaban esperanza. Por fin un tercer tema iba a acompañar la trama de la película en si, como referencia externa. Comencé la película presentando en los créditos esos temas en uno solo para luego desarrollarlos individualmente”.

El pasado año se estrenó en las salas el documental Jacques Leonard. El payo Chac (Yago Leonard, 2011), en torno a la vida de un fotógrafo francés casado con una mujer gitana e instalado en Barcelona, en los años cincuenta. “Con este documental -explica- salí de las islas y puse un pie en Barcelona. Tenía buena producción y el guión me emocionó. El director no quería grandes orquestaciones, sino una música pequeña, que estuviese al nivel de la sencillez de los personajes, que los hiciera más cercanos a la audiencia. Pero también quería que la música tuviera una identidad propia, que además de representar la identidad del francés y de la gitana aportase un punto de vista externo, de cierta nostalgia y afecto, en este caso del director, familiar del protagonista”.

Lisandro Rodríguez tiene entre sus proyectos más inmediatos una serie de animación para la televisión canaria, en la que trabajará en siete de sus 26 capítulos, y un nuevo documental que explica la tragedia del pueblo gitano en los campos de exterminio nazi. De él, pues, volveremos a hablar y escuchar su buena música.

The fact that a film that has not worked at the box office can have, a few years later, a second chance in the movie theaters is something completely unusual in Spanish cinema. But in the coming days will be reissued in theaters of the Canary Islands the film Quemando suerte (Luis Lodos, 2009) and we take the opportunity to talk with the composer of the soundtrack, Lisandro Rodríguez (Las Palmas de Gran Canaria, 1971), about this film, the documentary he did next and his forthcoming projects.

He had his first active contact with music at age 17, after which he began his piano studies in conjunction with computer music. In 2001 he worked for Antena 3 Televisión and he has since covered various fields, from advertising jingles, arrangements and compositions for various artists,  pianist/keyboardist in Canary classical groups, etc.. In 2005 he created Synchronica where he worked with the participation of several musicians, covering a wide range of musical styles. That same year, he made his first soundtrack for the short film Alicia, by Fernando Poch. And with Quemando suerte he got his first break in films. The composer explains that “It was my first feature film, and my join in it was somewhat haphazard. They had finished making the movie and they had no composer. Someone spoke to the director about me and then he contacted me. It was a very complicated work, there were more than an hour of music and plenty of spaces without dialogue to cover. The director asked me to fill the film with music. It was a titanic effort, with little budget and with very little time. To make things easier, I worked on three central themes and many secondary themes. Among the central themes there was one, the principal, which also functioned as a countertheme: it is the music of the bad guy, it represented the hate but also the character’s fear of losing his power; by contrast, a central theme dedicated to the girl, that also represented fear, but another kind of fear, submission, although with certain nuances that expressed hope. Finally, a third theme was to accompany the plot of the film itself, as external reference. I started the film presenting these themes in the credits into one and then I developed them individually”.

Last year was released in theaters the documentary Jacques Leonard. El payo Chac (Yago Leonard, 2011), about the life of a French photographer married to a gypsy woman and settled in Barcelona, in the Fifties. “With this documentary -he explains- I left the islands and set a foot in Barcelona. It had a good production and the script excited me. The director did not wanted big orchestrations, but little music, to be at the level of simplicity of the characters, that could make it closer to the audiences. But he also wanted that the music had its own identity, that as well it represented the identity of the French and the gypsy add an external point of view, a certain nostalgia and affection, in this case from the director, the protagonist’s relative”.

pasado año se estrenó en las salas el documental Jacques Leonard. El payo Chac (Yago Leonard, 2011), en torno a la vida de un fotógrafo francés casado con una mujer gitana e instalado en Barcelona. “Con este documental -explica- salí de las islas y puse un pie en Barcelona. Tenía buena producción y el guión me emocionó. El director no quería grandes orquestaciones, sino una música pequeña, que estuviese al nivel de la sencillez de los personajes, que los hiciera más cercanos a la audiencia. Pero también quería que la música tuviera una identidad propia, que además de representar la identidad del francés y de la gitana aportase un punto de vista externo, de cierta nostalgia y afecto, en este caso del director, familiar del protagonista”.

Lisandro Rodríguez has among his immediate projects an animated series for Canary television, in which he will work in seven of its 26 chapters and also a new documentary that explains the tragedy of gypsies in the Nazi death camps. Of him, therefore, we will speak and listen his good music.

The music by Pascal Gaigne shines on a score radically different from what he has accustomed us to listen in his extensive work in films, is a vigorous, forceful creation, but also lyrical and evocative that not only helps contextualize the facts in their historical period but also helps to transcend them and make more contemporary, in a way he makes the viewer to feel closer to the times. In brief we will detail the keys of this great work in a specific interview with the composer.

Here you have the trailer of the documentary. For more information, visit the film’s oficial website.

El documental 778 La chanson de Roland (El cantar de Roldán), dirigido por Olivier van der Zee, es una coproducción hispano-francesa que investiga los hechos históricos que se relatan en el Cantar de Gesta, a través de cuatro ejes: el relato del guionista y el director tras descubrir en el País Vasco una placa en homenaje a los soldados vascos que derrotaron al Emperador Carlomagno; la recreación histórica de la campaña del ejército de Carlomagno en el año 778 para la toma Zaragoza; las prospecciones arqueológicas en los lugares donde pudo producirse la batalla de Roncesvalles; y los testimonios de expertos en Historia, Arquelogía, Geografía…

La música de Pascal Gaigne brilla con luz propia en una partitura radicalmente diferente a la que nos tiene habituados en su extensa labor en el cine, Es una creación vigorosa, contundente, pero también lírica y evocadora que no solo ayuda a contextuar los hechos en su período histórico sino que ayuda a trascenderlos y hacerlos más contemporáneos, de tal modo que hace que el espectador se sienta cercano a la época. En breve detallaremos las claves de este estupendo trabajo en una entrevista específica con el compositor.

Composer Alberto Iglesias has won his tenth Goya Award to the best score, this time for La piel que habito. It is his third consecutive victory and add his name to a list of winners that is as follows:

Best Score
1986: La mitad del Cielo. Milladoiro
1987: El bosque animado. José Nieto
1988: Pasodoble. Carmelo Bernaola
1989: Montoyas y Tarantos. Paco de Lucía
1990: El rey pasmado. José Nieto
1991: Lo más natural. José Nieto
1992: El maestro de esgrima. José Nieto
1993: La ardilla roja. Alberto Iglesias
1994: La pasión turca. José Nieto
1995: Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto. Bernardo Bonezzi
1996: Tierra. Alberto Iglesias
1997: La buena estrella. Eva Gancedo
1998: Los amantes del Círculo Polar. Alberto Iglesias
1999: Todo sobre mi madre. Alberto Iglesias
2000: Sé quién eres. José Nieto
2001: Lucía y el sexo. Alberto Iglesias
2002: Hable con ella. Alberto Iglesias
2003: Al sur de Granada. Juan Bardem
2004: Mar adentro. Alejandro Amenábar
2005: Habana Blues. Juan Antonio Leyva, Magda Rosa Galban, José Luis Garrido, Equis Alfonso, Dayan Abad, Descemer Bueno, Kiki Ferrer, Kevis Ochoa
2006: Volver. Alberto Iglesias
2007: Las 13 rosas. Roque Baños
2008: Los crímenes de Oxford. Roque Baños
2009: Los abrazos rotos. Alberto Iglesias
2010: También la lluvia. Alberto Iglesias
2011: La piel que habito. Alberto Iglesias

El próximo domingo se concederán los Premios Goya. Estas son las cuatro bandas sonoras finalistas:

• Blackthorn. Sin destino. Música: Lucio Godoy

• Eva. Música: Evgueni y Sacha Galperine

• No habrá paz para los malvados. Música: Mario de Benito

• La piel que habito. Música: Alberto Iglesias

El próximo domingo se concederán los Premios Goya. Estas son las cuatro canciones finalistas

• De tu ventana a la mía: “Debajo del limón” (Paula Ortiz, Avshalom Caspi, Pachi García “Alis”)

• Maktub: “Nuestra playa eres tú” (Jorge Pérez Quintero, Borja Jiménez Mérida, Patricio Martín Díaz)

• La voz dormida: “Nana de la hierbabuena” (Carmen Agredano)

• Verbo: “Verbo” (Pascal Gaigne, Ignacio Fornés “Nach”)

(A Newcomer Interview with Lucas Vidal. clic on Read More for a basic English translation)

Lucas Vidal (Madrid, 1984) está viviendo una etapa muy dulce en su temprana carrera cinematográfica. A las siete nominaciones a los Premios Jerry Goldsmith que acumula, ha sumado muy recientemente sendas candidaturas a los Premios MundoBSO y Gaudí, por su excelente trabajo en Mientras duermes, la exitosa película de Jaume Balagueró. Y ahora se suma a su palmarés la reciente nominación en la categoría de Mejor Compositor Revelación en los Premios IFMCA (International Film Music Critics Association). Hemos querido celebrarlo con él.

• ¿Cómo has recibido tu nominación a los premios IMFCA como mejor compositor revelación?

Pues muy sorprendido y agradecido. La verdad es que nunca espero reconocimientos, pero saber que estoy en una lista donde está Ludovic Bource, que está arrasando en todos los premios de este año, me hace sentir muy bien, al igual que los otros finalistas, que están en un nivel muy alto. Han hecho cosas que admiro y por eso me siento muy privilegiado de que me hayan considerado entre los finalistas.

• Este ha sido un muy buen año para ti. Mientras duermes ha tenido el éxito que se esperaba, y tú has recibido una estupenda aceptación.

Estoy muy orgulloso de haber formado parte del equipo de Mientras duermes. Cada película que haces te enseña algo nuevo, una experiencia que luego puedes aplicar en los siguientes trabajos. En el caso de esta película, trabajar junto con Jaume Balagueró ha sido una experiencia muy enriquecedora, como también lo fueron las anteriores películas que hice, La isla interior y Vanishing on 7th Street. Es muy importante saber interpretar las necesidades de las películas y también traducir en música las pretensiones de los directores, por eso es fundamental el diálogo, el intentar encontrar un punto en común que sirva para darle a la película aquello que necesita.

• En Mientras duermes, era más que obvio que debías meterte en la mente del protagonista.

Era una necesidad emocional, pero también narrativa. Es un personaje que apenas expresa lo que piensa o lo que siente, aparentemente es un hombre disciplinado y cabal, y muy educado. Y lo sigue siendo incluso cuando empieza a cometer sus fechorías, porque las comete discretamente. La música debía no solo remarcar sus acciones sino especialmente sus emociones. Él actúa por amor, un amor desequilibrado e irracional, pero amor a fin de cuentas. Y por ello el tema principal es un tema de amor…

• Un tema de amor desde su punto de vista, pero un arma arrojadiza contra la chica objeto de su amor y también contra el espectador. Un tema de amor que acaba siendo verdaderamente cruel, en la escena final.

Mejor no desvelemos ese final, porque aunque mucha gente ya la ha visto aún queda gente por verla. Pero sí, esa era la intención. De todos modos, explicas bien las intenciones de la música en la crítica que me hiciste en MundoBSO…

• ¿Te molestó que la Academia no te nominase a los premios Goya? Para mi es injustificable, es una sordera total…

Ja ja. Bueno, sí esperaba poder estar nominado, pero ya te he dicho que no espero reconocimientos. Me dolió que de toda la película solo nominasen a Luis Tosar, que está soberbio. La película, el guión, el montaje, la fotografía, el diseño de sonido, el propio Balagueró. La pelicula ha tenido muy buenas críticas y ha sido un gran éxito en la taquilla. Merecía haber estado más presente en los Goya. Pero no ha podido ser.

• ¿Qué nos espera de ti tras Mientras duermes?

En abril se estrenan simultáneamente en Estados Unidos y en España dos películas que me han hecho una enorme ilusión. Una es The Raven, un thriller que dirige James McTeigue y que protagoniza John Cusak haciendo el papel de Edgar Allan Poe. La otra es de acción, se titula The Cold Light of Day, la dirige Mabrouk El Mechri y sus protagonistas son Bruce Willis y Sigourney Weaver.

• Hablaremos detalladamente de ambas cuando se acerque la fecha de los estrenos. ¿Puedes adelantar algo sobre la música que has hecho?

The Raven es una de las películas más interesantes que he hecho a nivel creativo. No solo porque el director es el que hizo V for Vendetta (2005) sino porque me ha dado la oportunidad de hacer cosas diferentes. He hecho música electrónica y música orquestal. Aunque la película es de época, la música es contemporánea, y no solo está hecha para acompañar y enfatizar la acción, que también, sino especialmente para entrar en la mente del protagonista. Hay drama, hay ambiente y hay ritmo. Son alrededor de 80 minutos de música. La grabé en Londres, en 13 sesiones, y nada menos que con Geoff Foster, el técnico de Hans Zimmer. Y además con el mejor violinista de fiddle del mundo, Steve Wickham, que ha dado una sonoridad muy particular a la música.

En The Cold Light of Day también hay unos 80 minutos de música y asimismo he hecho electrónica y música orquestal. Pero aquí, aunque también hay una parte dramática que he trabajado musicalmente, el gran reto ha sido mantener el pulso de la acción, que es frenética y adrenalítica. Es un poco del tipo de John Powell, y en menor medida de James Newton Howard. He tenido que hacer que la música vaya al ritmo de la película, de su frenesí, y que además sea explosiva. Ha sido difícil, pero ha sido muy divertido. La he grabado en Abbey Road con Peter Collins, el ingeniero que trabaja habitualmente con Alexandre Desplat, lo que ha sido una enseñanza añadida.

• ¿Y en qué estás trabajando ahora?

Pues estoy con una película de Daniel Calparsoro, Invasor, en la que recién empiezo a escribir la música. Y también en una película de terror para adolescentes sobre un asesino en serie, que se titula Afterparty. Aquí voy a hacer una música completamente diferente, será toda o casi toda en base a sonoridades electrónicas para el ambiente, muy distorsionada y demencial. Espero no enloquecer! También tengo un proyecto muy interesante con Paul Schrader, el guionista de Taxi Driver (1976).

• Pues entonces hablamos de nuevo cuando se vayan a estrenar The Raven y The Cold Light of Day y ya nos dirás si has enloquecido…

Ok! Tengo ganas de que llegue abril para poder explicar más en detalle lo que he hecho en esas dos películas.

© Conrado Xalabarder y MundoBSO, 2012

Lucas Vidal (Madrid, 1984) is experiencing a very sweet stage in his early film career. To his seven  accumulated nominations for the Jerry Goldsmith Awards he has recently joined a MundoBSO Awards and Gaudi nominations, for his excellent work on Mientras duermes, the hit film by Jaume Balagueró. And now he has added the recent nomination for Best Newcomer Composer in the IFMCA Awards (International Film Music Critics Association). We wanted to celebrate it with him.

• How have you received your nomination as best newcomer composer in the IMFCA awards?

Well, very surprised and grateful. The truth is that I never expect recognition, but to know I’m on a list where also is Ludovic Bource , who is sweeping with all the awards this year, makes me feel good, like the other finalists, who are in a very high level. They have done things that I admire and that is why I feel very privileged to be considered among the finalists.

• This has been a very good year for you. Mientras duermes has had the success it was expected , and you have had a wonderful acceptance.

I am very proud to have been part of the team of Mientras duermes. Every movie you do teaches something new, an experience which you can then apply in the following works. For this film, working with Jaume Balagueró has been an enriching experience, as it was in the previous films I’ve done, La isla interior and Vanishing on 7th Street. It is very important to understand the needs of the movies and also to translate into music the intentions of the directors, that is why is so essential the dialogue, in trying to find a common point that serves to give the film what it needs.

• In Mientras duermes, it was more than obvious that you had to get inside the mind of the protagonist.

• A love theme from his point of view, but a weapon against the girl object of his love and also against the viewer. A love theme that ends up being really cruel, in the final scene.

• Were you upset when the Spanish Academy did not nominated you for a Goya award? For me it is unjustifiable, a total deafness…

Ha ha. Well, I hoped to be nominated, but I told you I do not expect recognition. It hurt me a little that of the whole movie only got a nomination Luis Tosar, who is superb. The film, the screenplay, the editing, the photography, the sound design, the very Balagueró. The film has had rave reviews and has been a great success at the box office. It deserved to have been more present in Goya awards. But it did not.

• What do we expect from you after Mientras duermes?

Next April will be released simultaneously in USA and in Spain two films I have made with a huge illusion. One is The Raven, a thriller directed by James McTeigue and starring John Cusack in the role of Edgar Allan Poe. The other is an action film, entitled The Cold Light of Day, directed by Mabrouk El Mechri and its stars are Bruce Willis and Sigourney Weaver.

• We’ll talk in detail about both when approaching the date of the premieres. Can you advance something about the music you’ve done?

The Raven is one of the most interesting films I’ve done on a creative level. Not only because the director is the one who made V for Vendetta (2005) but because it has given me the opportunity to do different things. I have made electronic music and orchestral music. Although the film is vintage, the music is contemporary, not only is meant to accompany and emphasize the action, that it does too, but especially to get into the mind of the protagonist. There is drama, atmosphere and rhythm. There are about 80 minutes of music. I recorded in London in 13 sessions, and with none other than Geoff Foster, Hans Zimmer‘s technician. And the best fiddle violinist in the world, Steve Wickham, who has given a very unique sound to the music.

In The Cold Light of Day there are also about 80 minutes of music and I also made electronic and orchestral music. But here, although there is a dramatic part that I have worked musically, the challenge has been to keep the pulse of the action, which is frenetic and adrenalytic. It’s more or less like John Powell, and to a lesser extent James Newton Howard. I had to make the music go to the rhythm of the film, its frenzy, and that to be also explosive. It has been difficult, but it has been fun. I’ve recorded at Abbey Road with Peter Collins, the engineer who works regularly with Alexandre Desplat, what has been an added teaching.

• In what are you working now?

Now I am with a film of Daniel Calparsoro, Invasor, in which I just started to write music. And in a teen horror movie about a serial murderer, entitled Afterparty. Here I will make a completely different music, it will be all or almost all based on electronic sounds for the environment, very distorted and insane. I hope not to go crazy! I also have a project very interesting with Paul Schrader, the screenwriter of  Taxi Driver (1976).

• Then we will talk again when The Raven and The Cold Light of Day are premiered and you’ll tell us if you have become mad…

Ok! I am looking forward to arrive to April to explain more detailed what I’ve done in these two films.

© Conrado Xalabarder y MundoBSO, 2012

Here you have the trailer of the film. For more information, visit the film’s oficial website.

Dirigida por Mariano Barroso, Lo mejor de Eva es un thriller dramático en el que una juez íntegra y rigurosa se enfrenta al proceso judicial más importante de su carrera: el asesinato de una joven de Europa del Este, en el que está implicado un poderoso empresario. La presencia de un irresistible testigo, gigoló de profesión y amigo de la víctima, la sitúa frente a un espinoso dilema: resistirse o dejarse seducir, traspasando los límites de la ley. La música la firma Arnau Bataller, autor de una elaborada y compleja partitura que desarrolla en los terrenos de lo ambiental, de lo psicológico y de lo dramático, empleando electrónica y orquesta y fusionando esos tres frentes para así poder realzar mejor la parte dramática, que evoluciona y crece progresivamente hasta llegar a un cálido y bello final, no exento de cierta melancolía. En breve os ofreceremos una entrevista con el compositor para que nos explique detalles de esta creación.

In El orfanato (J.A. Bayona, 2007), a woman returns to the orphanage where she grew up, with the intention of opening a home for disabled children. There, her son starts some strange games that not being a mere diversion become a threat. When he disappears, she begins a desperate search that will lead to the absolute limits. Fernando Velázquez (Getxo, 1976) signed a score intense and emotional at the same time, fostering a sense of chaos and unpredictability (for terror) and anxiety and grief (for the dramatic). Very solid in its themary structure, it is singularly remarkable for the use of choirs and for two great central themes: one that corresponds to the area of ​​death and the other to the bonding of the mother. Both progresses through the film to find a connection in the great final sequence, where they are released and united. Enjoy it!

En El orfanato (J.A. Bayona, 2007), una mujer regresa al orfanato donde creció, con la intención de abrir una residencia para niños discapacitados. Allí, su hijo comienza a dejarse llevar por unos extraños juegos que dejarán de ser una mera diversión para convertirse en una amenaza. Cuando desaparece, la mujer inicia una desesperada búsqueda que la llevará hasta límites insospechados. Fernando Velázquez (Getxo, 1976) firmó una partitura intensa y emotiva a la vez, que fomenta una impresión de caos e imprevisión (para el terror) y de desazón y pesar (para lo dramático). Muy sólida en su estructuración temaria, es singularmente destacable el empleo de coros y de dos excelentes temas centrales: uno que se corresponde al espacio de la muerte y el otro a la vinculación afectiva de la madre. Ambos progresan a lo largo del filme hasta encontrar una conexión en la gran secuencia final, donde se liberan y unen. ¡Disfrutadla!